Shelby Walker, boxeadora y luchadora de artes marciales mixtas

Shelby Dinai Walker (1975-2006)
Edad - 31 años
País - Estados Unidos



¿Quién fue?

Una boxeadora y luchadora de artes marciales mixtas estadounidense, que destacaba por su gran carisma y su espíritu competitivo, siendo muy popular entre los aficionados.

Como boxeadora profesional peleó dos veces por el campeonato del mundo: una en 2004 contra la japonesa Emiko Raika por el título de la WIBA del peso pluma y otra en 2005 contra la americana Jamie Clampitt por el título de la IWBF del peso ligero. En ambas ocasiones fue derrotada por KO

Fue también una de las pioneras de las artes marciales mixtas para mujeres. En 2003 consiguió vencer en solo cinco segundos a su compatriota Angela Wilson, logrando el KO más rápido en la historia de esta modalidad.



¿Cuando y de qué murió?

El 24 de septiembre de 2006 fue hallada sin vida en la habitación de un hotel en Fort Lauderdale (Florida). La causa fue una sobredosis de medicamentos contra el dolor, en lo que aparentemente se trató de un suicidio.

Fue enterrada en el Cementerio de Kingsville (Texas)

Shelby Walker junto al mítico boxeador Ray "Sugar" Leonard

¿Sabías que...?

Nació el 27 de febrero de 1975 en Kingsville (Texas) y se llamaba Shelby Dinai Rogers. A los 18 años se alistó en el ejército de los Estados Unidos, donde estuvo sirviendo durante cinco años.

Estuvo casada dos veces, la primera con Joseph Sternburg y la segunda con Tyge Walker, de quien conservó el apellido. Con Sternburg tuvo a su único hijo Aaron, que nació en 1991 cuando sólo tenía 16 años.

Popularmente era conocida como Shelby Girl.

Las artes marciales mixtas (AMM) son una modalidad de combate en la que apenas hay reglas, siendo válida casi cualquier técnica para vencer al adversario, ya sean golpes con el puño, patadas, lucha en el suelo, agarres, proyecciones, etc

En sus cinco combates como luchadora de AMM, Shelby Walker logró dos victorias y tres derrotas. Hizo su debut el 17 de noviembre de 2001 frente a Judy Neff, perdiendo por sumisión en 40 segundos. El 13 de abril de 2002 volvió a perder, esta vez con Tara LaRosa (VIDEO)

En junio de 2004 se trasladó al sur de la Florida, incorporándose al American Top Team (ATT), uno de los equipos de artes marciales mixtas más prestigiosos y cuya sede principal está en Coconut Creek. Allí conoció a Howard Davis Jr., campeón olímpico de boxeo en los Juegos de Montreal '76 y que se convirtió en su entrenador.

Su tercer combate de AMM fue el 3 de mayo de 2003, frente a Angela Wilson en Boston. Shelby logró noquear a su rival en tan solo cinco segundos, logrando el KO más rápido en la historia de las AMM (VER VIDEO). El 19 de julio de ese mismo año logró su segunda victoria, esta vez frente a Beth Westover por decisión unánime de los jueces. Su quinto y último combate fue el 6 de noviembre de 2004, perdiendo por sumisión frente a Adrienna Jenkins.

Shelby Walker y Kristy Follmar (Indianápolis 25/11/2003)

El 1 de octubre de 2002 hizo su debut en el boxeo profesional, en un combate celebrado en Indianápolis frente a la también debutante Christmas Davis, ganando por KO en el segundo asalto. A lo largo de su carrera boxística, disputó catorce combates, de los cuales ganó siete (seis de ellos por KO), perdió seis y uno fue nulo.

El 25 de noviembre de 2003 disputó el título estadounidense del peso pluma frente a Kristy Follmar. El combate se celebró en el Pepsi Coliseum de Indianápolis y Shelby aguantó en pie los ocho asaltos, aunque la victoria fue para Follmar por decisión unánime de los jueces.

El 23 de mayo de 2004 disputó por primera vez un título mundial. Fue en Tokio, donde se enfrentó a la púgil local Fujin Raika por el título de la WIBA del peso pluma. Raika venció por KO en el segundo asalto (VIDEO)

Shelby Walker y Jaime Clampitt (Providence 26/08/2005)

El 26 de agosto de 2005 peleó en Providence (Rhode Island) por el título mundial del peso ligero de la IWBF. Su rival fue su compatriota Jaime Clampitt, que venció por KO en el cuarto asalto.

El 1 de abril de 2006 se despidió del boxeo profesional con un combate en Nogales (Arizona) frente a la experimentada Mia St. John, que venció por KO en el tercer asalto.

En junio de 2006 ejerció de entrevistadora "a pie de ring" durante la primera edición del Cage Fury Fighting Championships (CFFC), que tuvo lugar en Atlantic City. Estaba previsto que volviera a hacerlo en la segunda edición, celebrada en octubre de ese mismo año, pero falleció unos días antes.

Tras su muerte, la organización del CFFC decidió crear el Premio Shelby Walker Heart of a Lion al luchador que hubiera demostrado mayor coraje y capacidad de superación durante el torneo.

Florence Ballard, cantante de The Supremes

Florence Glenda Ballard (1943-1976)
Edad - 32 años
País - Estados Unidos



¿Quién fue?

Una cantante estadounidense que en 1961 fue una de las fundadoras del grupo The Supremes, junto a Diana Ross y Mary Wilson. A lo largo de esa década, The Supremes se convirió en uno de los grupos más exitosos de la historia de la música, gracias a canciones como Where Did Our Love Go (1964), Baby Love (1964), Stop! In the Name of Love (1965) o You Can't Hurry Love (1966)

Tras abandonar el grupo en 1967, inició una carrera en solitario, aunque no tuvo éxito. Pasó sus últimos años en Detroit, alejada de los escenarios y agobiada por los problemas económicos.



¿Cuando y de qué murió?

El 1 de Febrero de 1976 ingresó en el hospital Mount Carmel Mercy de Detroit, aquejada de un entumecimiento en sus extremidades. Al día siguiente, a las 10:05 de la mañana, falleció debido una trombosis coronaria, ya que un coágulo de sangre había atascado una de las arterias que irriga el corazón.

Según la autopsia, la causa de la muerte fue un cóctel mortal de pastillas para adelgazar y alcohol, a lo que había que sumar la hipertensión arterial que padecía.

El viernes 27 de Febrero, unas 5.000 personas se reunieron frente a la iglesia baptista de New Bethel para darle el último adiós. Cuando llegó Diana Ross fue abucheada por la gente.

Florence Ballard fue enterrada en el Detroit Memorial Park East.

The Supremes - Diana Ross, Mary Wilson y Florence Ballard

¿Sabías que...?

Nació en Detroit (Michigan) el 30 de junio de 1943. Sus padres Jessie Ballard y Lurlee Wilson habían emigrado desde Mississippi buscando trabajo en la industria del automóvil. Ella era la novena de quince hermanos, y familiarmente la llamaban "Flo".

En 1959, por iniciativa de un mánager local llamado Milton Jenkins, se creo en Detroit el grupo The Primettes, formado por Florence Ballard, su amiga Mary Wilson y la novia de Jenkins Betty McGlown. Poco después se incorporaría Diana Ross (nacida Diana Earle), mientras que Betty McGlown fue reemplazada por Barbara Martin. Con esta formación sólo grabaron el single Tears of Sorrow en 1960.

En 1961 firmaron un contrato con la recién creada compañía discográfica Motown y cambiaron su nombre a The Supremes. Además Barbara Martin abandonó la formación, convirtiéndose así en un trío. Tras grabar varios singles de escasa repercusión, en 1963 lograron su primer éxito con el tema When the Lovelight Starts Shining Through His Eyes, que llegó al número 23 del Billboard Hot 100.

Esta canción fue la primera compuesta para ellas por el trío de músicos que formaban Lamont Dozier y los hermanos Brian y Edward Holland. Ellos serían los artífices de numerosos éxitos de la compañía Motown en los años sesenta, incluyendo temas de Marvin Gaye, Martha Reeves o The Four Tops. Casi todos los números uno que lograron The Supremes fueron obra de ellos.

Berry Gordy, creador de Motown, volcó gran parte de su atención en ellas, y en agosto de 1964 lograron su primer número uno con Where Did Our Love Go. A partir de entonces el fenomeno The Supremes creció de forma imparable, consiguiendo otros cuatro números uno consecutivos en Estados Unidos: Baby Love, Stop! In the Name of Love, Come See About Me y Back in My Arms Again. Antes que ellas, sólo Elvis Presley había logrado cinco numeros uno de forma consecutiva.

The Supremes en el aeropuerto de Heathrow (Londres)

La canciones de The Supremes mezclaban varios estilos musicales, como el pop, el soul y el du-dua. Más adelante incorporarían la música disco y la psicodelia. Además de por su música, su éxito se basaba en unas dinámicas coreografías y una imagen muy sofisticada. Las cantantes aparecían siempre con unas llamativas pelucas, impecablemente vestidas y maquilladas. Sus conciertos y apariciones en televisión eran un gran acontecimiento, y solo The Beatles generaban una expectación similar.

A finales de 1965 lograron su sexto número uno con I Hear a Symphony. En 1966 llegaron nuevos éxitos con You Can't Hurry Love y You Keep Me Hangin' On, mientras que en 1967 continuaron con Love Is Here and Now You're Gone y The Happening, que sería el décimo y último de los números uno logrados por The Supremes antes de que Florence Ballard abandonara el grupo.

También de esta época es el single Reflections, que llegó al número 2 y que ya refleja un sonido diferente, muy influenciado por el pop psicodélico.

The Supremes A' Go-Go (1966)

En 1966 sacaron el album The Supremes A' Go-Go, que aunque solo contenía un tema original, se convertiría en el primer album de un grupo femenino en llegar al numero uno del Billboard 200.

Desde 1963 Diana Ross era la cantante principal del grupo. Aunque a veces hubo disputas entre ella y Flo Ballard, que en algunos momentos también hizo de voz principal, poco a poco la personalidad de Diana Ross se fue imponiendo a las otras componentes del grupo. A principios de 1967 Berry Gordy informó que a partir de entonces el grupo se llamaría "Diana Ross & The Supremes", confirmando un rumor que venía de lejos.

Con motivo del cambio, en agosto de 1967 salió el album Diana Ross & the Supremes: Greatest Hits, un doble disco que recogía 20 canciones con todos sus éxitos hasta ese momento. En la portada del disco salía retratada Florence Ballard, pese a que ya había abandonado el grupo cuando salió a la venta el disco. Este recopilatorio fue número uno en Estados Unidos y Gran Bretaña.

A Florence Ballard, el hecho de que Diana Ross cada vez dominase más el grupo y cantase casi siempre como solista, la fue destruyendo poco a poco, pues era consciente de que su talento vocal estaba siendo desperdiciado. Comenzó a beber para evadirse y a lo largo de 1967 se ausentó de varias apariciones públicas.

En julio de 1967, poco antes de un concierto en el Flamingo Hotel de Las Vegas, Florence apareció borracha y con un aspecto lamentable. Tras la actuación, Berry Gordy la increpó con dureza, ya que no era la primera vez que ocurría. Ambos discutieron y ella acabó arrojándole una bebida al rostro y salió de allí gritando.

Esa fue la última vez que Flo Ballard actuó con The Supremes. La noche siguiente fue reemplazada en el escenario por Cindy Birdsong, ex-integrante de Patti LaBelle & the Bluebelles.

Diana Ross

Tras la salida de Ballard, The Supremes prácticamente se convirtió en un vehículo para el lucimiento exclusivo de Diana Ross. Sin ir más lejos, de esta época son los números uno Love Child y Someday We'll Be Together, en los que ni Mary Wilson ni Cindy Birdsong tuvieron participación alguna.

En noviembre de 1969 Diana Ross empezó su carrera en solitario, actuando por última vez con The Supremes en enero de 1970 en Las Vegas. Jean Terrel reemplazó a Ross, y el grupo se mantendría hasta 1977, cambiando varias veces más de componentes. En esta época lograron algunos éxitos menores como Stoned Love y Nathan Jones, además de una exitosa versión del tema River deep, mountain high en colaboración con The Four Tops. La única componente original que se mantuvo hasta el final del grupo fue Mary Wilson.

En 1968 Flo Ballard contrajo matrimonio con Thomas Chapman, un antiguo chófer de Motown. Ese mismo año dio a luz a dos mellizas, Michelle y Nicole. En 1971 tendría a su tercer y última hija, Lisa. Poco después Flo y Thomas se divorciaron.

Comenzó su carrera en solitario con los singles "It Doesn't Matter How I Say It (It's What I Say That Matters)" y "Love Ain't Love", que no tuvieron éxito, por lo que su carrera declinó con rapidez. Además, la mala gestión de su patrimonio hizo que atravesara por problemas económicos.

En 1974 Mary Wilson, con quien había seguido manteniendo una buena relación, la invitó a California para cantar con The Supremes. Aunque ella acudió a la llamada y el público la seguía queriendo, no manifestó ningún interés en volver a cantar con el grupo.

Agobiada por los problemas económicos y con tres niños que mantener, Flo Ballard tuvo incluso que recurrir a las ayudas del gobierno para sobrevivir. En 1975 recibió un dinero de un pleito contra su antigüo abogado y pudo comprarse una casa para ella y sus hijos.

El 25 de junio de 1975 participó en un concierto en Detroit para pedir la liberación de Joan Little.

En 2006 se estrenó la película Dreamgirls, protagonizada por Jamie Foxx, Beyoncé Knowles y Eddie Murphy. En ella se narraban las peripecias de un trío musical femenino en los años 60 y 70. Aunque en la película el grupo se llama The Dreamettes, está claramente insirada en la historia de The Supremes.

Jennifer Hudson interpretó el personaje de Effie White, trasunto de Flo Ballard y por el que ganó el oscar a la mejor actriz secundaria.

Everett Ruess, un buscador de belleza

Everett Ruess (1914-1934)
Edad - 20 años
País - Estados Unidos



¿Quién fue?

Un artista, escritor y aventurero que exploró amplias zonas del sudoeste de los Estados Unidos, siempre en solitario, recogiendo sus impresiones y vivencias en diarios y cartas.

Con su misteriosa desaparición en el Desierto de Escalante (Utah) se convirtió en una figura casi legendaria, entrando a formar parte de la cultura popular.





¿Cuando y de qué murió?

En 1934, cuando tenía veinte años, se internó en el desierto de Utah acompañado de dos burros, y no regresó jamás. Unos meses después se encontró un corral con los dos burros y algunas de sus pertenecias en Davis Gulch, un cañón del Escalante, pero nunca se supo nada de Everett Ruess.

Durante décadas se han hecho las más variadas conjeturas sobre su desaparición. Algunos sospechan que se mató accidentalmente al caer de un precipicio o ahogándose. Otros consideran que fue asesinado. Los más románticos creen que tal vez cruzó el río Colorado a la reserva de los Navajo en Arizona y que se casó con una nativa.

Cañón de Davis Gulch, en el Desierto de Escalante (Utah)

En abril de 2009, la prueba de ADN realizada sobre unos huesos encontrados en una cueva, indicó casi con total seguridad que pertenecían a Everett Ruess. También el estudio de la dentadura y el cráneo parecen confirmarlo.

El hallazgo de estos huesos fue posible porque Aneth Nez, un indio Navajo, le contó a su nieta Daisy Johnson en 1971 que muchos años antes había sido testigo del asesinato de un jóven cerca de Bluff (Utah), y que habían sepultado el cuerpo en una cueva cerca de Comb Ridge. En mayo de 2008 Denny Belson, nieto de Aneth Nez, encontró la tumba. Luego vino el trabajo de identificación de los restos y finalmente la confirmación.

La hipótesis más probable es que fuera asesinado por dos indios de la tribu Ute, que querían robarle. Para los descendientes de Everett Ruess no hay duda de que se trata de los restos de su familiar, poniendo fin a una incógnita que había durado 75 años. Sin embargo, algunos investigadores de Utah como el arqueólogo Kevin Jones, piensan que estos estudios no son aun concluyentes. En la actualidad continuan haciéndose pruebas para confirmar definitivamente el hallazgo.





¿Sabías que...?

Nació el 28 de marzo de 1914 en Oakland (California). Su padre Christopher era predicador de la Iglesia Unitaria y su madre se llamaba Stella. También tenía un hermano mayor llamado Waldo. La familia cambiaba frecuentemente de residencia.

Desde niño mostró inclinaciones artísticas, haciendo dibujos, grabados en madera, figuras de barro, etc. Con 12 años también escribía poemas y ensayos, además de un diario personal.

A los 15 años, cuando iba al instituto en Los Angeles, participó en un taller de de escritura creativa. Posteriormente, cuando residía en Valaparaiso (Indiana), ganó un premio de poesía.

Entre 1931 y 1934 realizó numerosos viajes, a caballo y en burro, por Arizona, Nuevo Mexico, Utah y Colorado. Durante sus viajes escribía sus impresiones y pintaba en plena naturaleza.

Grabado del Monument Valley (Everett Ruess)

Acuarela del Cañón del Colorado (Everett Ruess)

Como artista hizo numerosos dibujos y acuarelas, pero destacó sobre todo por sus grabados en linóleo, en los que recreaba paisajes de la costa de Calfornia, Sierra Nevada, Utah y Arizona.

En 1933 fue retratado por la famosa fotoperiodista Dorothea Lange. También se relacionó con pintor Maynard Dixon y con los fotógrafos Edward Weston y Ansel Adams.

Aparte de los americanos nativos, pioneros mormones y vaqueros locales, en la época en que Ruess exploró los cañones del sudoeste de los Estados Unidos, es probable que fuera uno de los primeros “forasteros” en visitar aquella zona, uno de los lugares más inhóspitos, pero también más bellos, de todo el país.

Everett Ruess no publicó ningún libro en vida. Sin embargo sus diarios, poesías y dibujos aparecieron más tarde en dos libros: On Desert Trails with Everett Ruess (1940) y Everett Ruess: Vagabond for Beauty (1983)

En el best-seller de Jon Krakauer titulado Hacia rutas salvajes (Into the Wild, 1996) y que narra la historia de Christopher McCandless, también se cuenta la historia de Everett Ruess, trazando un paralelismo entre ambos personajes.

El músico californiano Dave Alvin le dedicó la canción Everett Ruess de su álbum "Ashgrove" (2004)

También el duo folk Dana & Susan Robinson tiene una canción titulada Everett Ruess de su album "Round my Door" (2008). Aquí podéis ver un VIDEO.

Tiene una página web donde podemos ver toda su obra y comprar postales, libros, camisetas y todo tipo de merchandising. También hay un grupo de facebook

En la última carta que le escribió a su hermano Waldo, fechada el 11 de noviembre de 1934, decía cosas como esta:

«En lo que respecta a mi regreso a la civilización, no creo que se produzca pronto. Todavía no me he cansado de los espacios salvajes; al contrario cada vez estoy más entusiasmado con su belleza y la vida de vagabundo que llevo. Prefiero una silla de montar antes que un tranvía, el cielo estrellado antes que un techo, la senda oscura y difícil que conduce a lo desconocido antes que una carretera de asfalto, y la profunda paz de la naturaleza antes que el descontento de las ciudades. ¿Me culpas de que siga aquí, en el lugar al que siento que pertenezco y donde yo y el mundo que me rodea somos uno? Es cierto que añoro la compañía inteligente, pero hay tan pocas personas con quienes compartir las cosas que tanto significan para mí que e aprendido a contenerme. Me basta con estar rodeado de belleza (...)

Incluso por lo que deduzco de tus breves comentarios, sé que no podría soportar ni la rutina ni el ajetreo de la vida que estas obligado a llevar. Creo que nunca podré echar raíces. A estas alturas he buceado tanto en las profundidades de la vida, que preferiría cualquier cosa antes que tener que conformarme con una existencia sin emociones.»

Sigizmund Levanevsky, aviador de la Unión Soviética

Sigizmund Aleksandrovich Levanevsky (1902-1937)
Edad - 35 años
País - Unión Soviética



¿Quién fue?

Un aviador soviético de los años treinta, que fue nombrado Héroe de la Unión Soviética por su participación en el rescate de los tripulantes del vapor Cheliuskin en 1934, y que desapareció en 1937 junto a otros cinco tripulantes mientras trataban de completar la ruta entre la URSS y Estados Unidos a través del Polo Norte.

A menudo se le conoce como el "Lindbergh de Rusia", en referencia al famoso aviador norteamericano Charles Lindbergh.



¿Cuando y de qué murió?

En 1937 era el capitán de una misión que tenía como objetivo volar desde Moscú a Estados Unidos atravesando el Polo Norte. Era el tercer viaje transpolar que emprendían los soviéticos ese año. El primero había sido el de Valery Chkalov, Georgiy Baidukov y Alexander Belyakov de Moscú a Portland (18-20 de junio), y el segundo el de Mikhail Gromov, Andrei Yumashev y Sergei Danilin desde Moscú a San Jacinto (12-14 de julio)

El Bolkhovitinov DB-A con el que emprendieron la travesía del Ártico (1937)

Los seis tripulantes de izquierda a derecha: Nikolai Galkovsky, Nikolai Kastanayev,
Sigizmund Levanevsky, Gregory Pobezhimov, Nikolai Godovikov y Victor Levchenko

Ambos vuelos exitosos se habían hecho con un avión Tupolev ANT-25 de un sólo motor y con tres tripulantes. Para este tercer viaje se utilizaría por primera vez un Bolkhovitinov DB-A, un bombardero pesado cuatrimotor en el que iban seis tripulantes. Estaba previsto que llegaran a Nueva York tras hacer escala en Fairbanks (Alaska) y Chicago.

Los seis tripulantes del Bolkhovitinov DB-A eran: Sigizmund Levanevsky (comandante), Nikolai Kastanayev (segundo piloto), Victor Levchenko (navegante), Nikolai Galkovsky (operador de radio), Gregory Pobezhimov (mecánico) y Nikolai Godovikov(mecánico). Despegaron de Moscú el 12 de agosto de 1937. Sin embargo, al día siguiente a las 17:58 se perdió la comunicación por radio con el aparato, cuando ya habían dejado atrás el Polo Norte y estaban entrando en Alaska.

Poco después, las autoridades soviéticas contactaron con el famoso explorador polar George Hubert Wilkins, para que les ayudara en la búsqueda del avión desaparecido. Pilotos de Estados Unidos, Canadá y la URSS peinaron una amplia zona en busca de algún rastro, pero nunca hallaron nada, y se llegó a la conclusión de que el avión de Levanevsky se había estrellado en el Océano y se había hundido.





¿Sabías que...?

Nació el 15 de mayo de 1902 en San Petersburgo, aunque su familia era de origen polaco.

Su hermano Józef Lewoniewski decidió regresar a Polonia y combatió en el ejército polaco durante la Guerra polaco-soviética (1919-1921). Luego obtuvo el título de piloto y llegó a ser uno de los aviadores más importantes de su país. Falleció en 1933 cuando volaba entre Varsovia y Krasnoyarsk intentando batir un récord mundial de distancia para aviones de turismo.

En 1917 Levanevsky participó en la gloriosa Revolución de Octubre apoyando a los bolcheviques, y más tarde sirvió en el Ejército Rojo durante la Guerra Civil. En 1925 se graduó como piloto militar en la Escuela de Aviación Naval de Sebastopol (Ucrania)

En 1933 empezó a prestar servicios para la Dirección General de la Ruta del Norte, más conocida como Glavsevmorput, un organismo soviético encargado de gestionar la ruta de navegación entre el Océano Atlántico y el Pacífico a lo largo de las costas de Rusia y Siberia, conocida como Ruta del Mar del Norte o Paso del Noreste, VER MAPA)

El 13 de julio de 1933 rescató al piloto norteamericano Jimmie Mattern, que se había visto obligado a aterrizar con su Lockheed Vega cerca de Anadyr (en Siberia) durante su intento de dar la vuelta al mundo. Cuando en 1937 desapareció el avión de Levanevsky, Mattern fue uno de los que participó en su búsqueda.

En 1934 fue uno de los siete pilotos que participaron en el rescate de los tripulantes del Cheliuskin, un barco de vapor que quedó atrapado en los en los hielos árticos del Mar de Chukchi y que se hundió el 13 de febrero de 1934 tras estar más de dos meses a la deriva entre el hielo.

La tripulación, compuesta por 104 personas, salió del barco y organizaron un campamento sobre el hielo, resistiendo mientras las autoridades soviétican organizaban su evacuación aérea, con un despliegue de medios impresionante. La misión de rescate fue un gran éxito y los pilotos que tomaron parte en las operaciones de búsqueda y rescate recibieron el título de Héroes de la Unión Soviética, una distinción creada en 1934 y que ellos fueron los primeros en recibir.

Además de Levanevsky, estos pilotos fueron Anatoli Liapidevsky, Vasili Molokov, Mavrikiy Slepnev, Mikhail Vodopianov, Nikolai Kamanin e Ivan Doronin.

Sello postal con la imagen de Sigizmund Levanevsky (sin sobreimpresión)

Con motivo del rescate del Cheliuskin, el artista Vasili Zaviálov diseñó una serie de sellos conmemorativos, uno de los cuales está dedicado a Levanevsky. En 1937, con motivo de su intento de vuelo transpolar, se emitió este mismo sello con una reimpresión en letras rojas del texto “Vuelo Moscú - San Francisco vía Polo Norte 1935”

En el mundo filatélico se conoce a este sello como Sobreimpresión de Levanevsky, y por algunos ejemplares se llegan a pagar miles de euros.

En agosto de 1935, junto a los tripulantes Georgy Baidukov y Anatoly Levchenko, hizo el primer intento de vuelo transpolar entre Moscú y San Francisco a bordo de un Tupolev ANT-25, pero el viaje fue abortado cuando apenas llevaban cubiertos 2.000 kms al descubrirse una fuga de combustible.

Retrato de Sigizmund Levanevsky y Victor Levchenko

En julio de 1936 realizó, junto al copiloto Victor Levchenko, un vuelo entre Los Angeles y Moscú a través de Alaska y Siberia, recorriendo más de 19.000 kms y uniendo tres continentes: América, Asia y Europa.

En marzo de 1999 Dennis Thurston, un empleado del Servicio de Gestión de Minerales de Anchorage (Alaska) informó de un hallazgo sospechoso en las aguas de la bahía de Camden, y que podrían ser los restos del avión de Levanevsky. Sin embargo un submarino enviado a la zona no encontro ningun rastro del aparato.

Jean-Michel Basquiat, un artista radiante

Jean-Michel Basquiat (1960-1988)
Edad - 27 años
País - Estados Unidos



¿Quién fue?

Un pintor afroamericano de formación autodidacta y perteneciente al movimiento neoexpresionista, que comenzó pintando graffitis en las calles de Nueva York a finales de los años setenta y en pocos años se convirtió en uno de los artistas más famosos y cotizados de su país, exponiendo sus obras en las galerías más importantes. Entre 1983 y 1986 colaboró con Andy Warhol, con quien mantuvo una gran amistad.



¿Cuando y de qué murió?

Falleció el 12 de agosto de 1988 por una sobredosis de heroína en su apartamento de la calle Great Jones, en Manhattan.

El mes anterior se había ido a Hawai para intentar desintoxicarse de su adicción. Tras regresar a Nueva York, declaró que ya había dejado de drogarse. Sin embargo, la muerte le esperaba a la vuelta de la esquina, con sólo 27 años.

Fue enterrado el 17 de agosto en el Cementerio Greenwood de Brooklyn.

Andy Warhol, Jacqueline Schnabel, JM Basquiat, Julian Schnabel y Kenny Scharf (1984)

¿Sabías que...?

Nació el 22 de diciembre de 1960 en Brooklyn (Nueva York), en una familia de clase media. Su padre era de orígen haitíano y su madre puertorriqueña. Ellos se separaron cuando él era pequeño.

Cuando tenía ocho años fue atropellado por un coche y estuvo un mes en el hospital. Durante la convalecencia su madre le regaló el célebre manual de Anatomía de Gray, una obra que tendría gran influencia en sus pinturas.

A los dieciséis años ingresó en la City-As-School, una escuela de tipo experimental y cuyo método de enseñanza se basaba en el aprendizaje práctico. Sin embargo, fue expulsado un año antes de graduarse. En su adolescencia se escapó varias veces de casa, dedicándose a vagabundear por los ambientes marginales de la gran ciudad,y también empezó a drogarse.

En 1977 Basquiat y su amigo Al Díaz comenzaron a realizar graffitis en las paredes del Bajo Manhattan, firmando sus obras con el acrónimo SAMO, que significa "Same old shit" (literalmente "la misma vieja mierda"). Entretanto vendía postales y camisetas decoradas por él mismo para ganar dinero.

En diciembre de 1978 el periodista Philip Faflick publicó un artículo sobre SAMO en "The Village Voice". Poco después, la colaboración entre Basquiat y Díaz finalizó, y en los muros del SoHo aparecieron pintadas con la expresión "SAMO is dead" ("SAMO ha muerto")

Luego fundó el grupo musical "Gray", donde tocaba el clarinete y el sintetizador, y con el que actuaba en nightsclubs de moda como el CBGB y el Mudd Club, lugares donde se reunían muchos artistas y creadores. Sin embargo, su carrera musical no duró mucho.

A diferencia de la mayor parte de los grafiteros, Basquiat tenía una cierta curiosidad intelectual y sentía una verdadera fascinación por el expresionismo abstracto y artistas como Willem de Kooning, Franz Kline, Jackson Pollock o Cy Twombly. En sus obras también se aprecia la influencias de vanguardistas europeos como Matisse y Picasso. Todo esto, unido a su interés por la cultura popular, la simbología negra o la crítica a la sociedad de consumo, van conformando su peculiar universo estético.

Untitled (Skull) (Basquiat, 1981)

Sienna (Basquiat, 1984)

En junio de 1980 participó en su primera exposición colectiva, titulada "Times Square Show", en una galería alternativa del Bronx, y que agrupaba a artistas como David Hammons, Jenny Holzer, Kiki Smith o Kenny Scharf. Las obras de Basquiat eran una serie de graffitis a partir del repertorio SAMO.

A principios de los ochenta el graffiti dejó de ser exclusivamente una manifestación marginal y pasó a despertar el interés del mundo del arte. Cada vez más galerías cedieron sus espacios para que los grafiteros colgaran sus obras.

En febrero de 1981 participó en la exposición "New York/New Wave" organizada por Diego Cortez y donde presentó una veintena de pinturas y dibujos. Tras esta exposición su trabajo llamó la atención de la galerista Annina Nosei, que se convirtió en su marchante oficial y puso su disposición un estudio en el sótano de su galería en el SoHo.

En diciembre de 1981 René Ricard publicó un artículo sobre Basquiat titulado The Radiant Child ("El chico radiante") en la revista de arte contemporáneo "Artforum". Esto contribuyó a hacerle famoso.

1982 sería el año clave en su camino hacia el éxito. Sus exposiciones individuales y colectivas se multiplicaron, incluyendo algunas en famosas galerías como la Annina Nosey de Nueva York, la Gagosian de Los Angeles o la Bruno Bischofberger de Zurich. Además, empezó a relacionarse regularmente con otros artistas del movimiento neoexpresionista, como Julian Schnabel, David Salle, Francesco Clemente o Enzo Cucchi, con quienes participó en la exposición Transvanguardia Italia-America, en Módena.

Tras romper con Annina Nosei, en 1983 participó en la Bienal del Museo Whitney de Arte Americano. A sus 23 años era el artista mas joven que exponía en esta importante manifestación artística.

Cartel de una exposición conjunta de Jean-Michel Basquiat y Andy Warhol (1985)

En 1984 comienza a colaborar con Andy Warhol y Francesco Clemente en una serie de obras que aunaban pintura, serigrafía, graffiti y lenguaje publicitario. Warhol y Basquiat sintonizaban muy bien tanto en lo artístico como en lo personal. Warhol dejó escrito en su diario: “Basquiat ha consequido que pinte de una forma muy diferente, y eso esta muy bien”. La colaboración resultó enriquecedora para ambos porque Warhol, que en aquel momento sólo empleaba técnicas como la serigrafía, volvió a coger el pincel, y Basquiat aprendió las técnicas mecánicas aplicadas a la pintura.

En 1984 expuso por primera vez en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (que al principio se había mostrado reacio al neoexpresionismo) en el marco de la exposición "An International Survey of Recent Painting and Sculpture". En 1985 realizó importantes exposiciones en las galerías Bruno Bischofberger de Zurich, Mary Boone de Nueva York y Akira Ikeda de Tokio.

Por esta época sus amigos empezaron a preocuparse seriamente por su abuso de las drogas. A menudo lo encontraban casi inconsciente y con ideas paranoicas. En particular Andy Warhol le aconsejo de se apartara de ese mundo.

Vino de Babilonia (Basquiat, 1984)

Tenor (Basquiat, 1985)

En febrero de 1985 su foto apareció en la portada del suplemento dominical del "New York Times", ilustrando un artículo de Cathleen McGuigan titulado "Nuevo arte, Nuevo dinero: El marketing de un artista americano". Basquiat se había convertido en una celebridad y sus obras se cotizaban cada vez más, siendo una presencia habitual en las fiestas de la alta sociedad y los clubes de moda.

El 22 de febrero de 1987 falleció Andy Warhol, una noticia que le afectó profundamente. Para rendirle tributo creo la obra "Gravestone"

A principios de 1988 viajó a París y Düsselforf para sendas exposiciones. En abril tuvo lugar la que sería la última exposición de su vida, en la Galería Baghoomian de Nueva York, donde obtuvo muy buenas críticas.

Cartel de la película Basquiat (Julian Schnabel, 1996)

En 1996 su vida fue llevada al cine en Basquiat, con Jeffrey Wright como Basquiat y David Bowie como Andy Warhol. La película fue dirigida por Julian Schnabel, también pintor neoexpresionista y amigo suyo.

Steve Prefontaine, un atleta de espíritu indomable

Steve Roland Prefontaine (1951-1975)
Edad - 24 años
País - Estados Unidos



¿Quién fue?

Un atleta estadounidense especialista en pruebas de medio fondo y que está considerado uno de los mejores corredores de la historia en su país. Batió los récords de Estados Unidos en todas las distancias que van desde los 2.000 a los 10.000 metros, y participó en los Juegos Olímpicos de Munich '72 donde acabó cuarto en los 5.000 metros.

Prefontaine fue muy popular entre los aficionados debido a su gran carisma y su estilo agresivo de competir, y era uno de los favoritos para los Juegos de Montreal '76.



¿Cuando y de qué murió?

El 30 de mayo de 1975 se estrelló con su coche, un MGB azul convertible, cerca del Parque Hendricks, en Eugene (Oregon). Prefontaine regresaba de una fiesta, viajaba solo y parece ser que se salió de la carretera al intentar esquivar a otro vehículo que venía de frente, falleciendo en el acto.

Aun existen ciertas dudas sobre las circunstancias del accidente, como por ejemplo si había bebido o no alcohol, o si hubo un segundo coche implicado. Su muerte causó una gran conmoción entre los aficionados al atletismo, ya que era un verdadero ídolo y tenía miles de fans.

Fue enterrado en el Sunset Memorial Park de Coos Bay (Oregon)

Pre's Rock en Eugene (Oregon)

En el lugar del accidente se erigió en 1997 un memorial llamado Pre's Rock, y que contiene una placa con su foto y esta inscripción:

“Por tu dedicación y lealtad
A tus principios y creencias...
Por tu amor, cariño y amistad
Por tu familia y amigos...
Mucha gente te echa de menos
Y nunca serás olvidado...”

Steve Prefontaine en los Juegos de Munich '72

¿Sabías que...?

Nació el 25 de enro de 1951 en Coos Bay (Oregon)

Comenzó en el atletismo cuando estudiaba secundaria en la Marshfield High School, donde ya destacó como uno de los mejores corredores de su edad. En 1970 se matriculó en la Universidad de Oregon, donde entrenó a las órdenes del mítico Bill Bowerman (que años más tarde sería co-fundador de la compañía Nike)

Steve Prefontaine y Bill Bowerman

Se graduó en 1973. Durante su último año en la Universidad inició una lucha contra la "Amateur Athletic Union" (AAU), ya que esta organización exigía que los atletas que quisieran conservar su rango "amateur" e ir a los Juegos Olímpicios, no podían cobrar dinero por participar en competiciones atléticas. Esta normativa le privó de ganar mucho dinero. En 1978 la AAU dejó de esta normativa fue abolida

Ganó dos títulos de campeón nacional absoluto en los 5.000 metros (1971 y 73), y siete títulos de campeón nacional universitario: cuatro en los 5.000 metros (1970, 71, 72 y 73) y tres en campo a través (1970, 71 y 73)

En 1971 batió su primer récord de Estados Unidos en los 5.000 metros, con 13:30.4. A lo largo de su carrera deportiva batió 15 récords nacionales en distancias que iban desde los 2.000 a los 10.000 metros.

Era conocido como "Pre", y llegó a ser inmensamente popular por su agresiva forma de competir y su rebelde personalidad. Cuando corría, sus fans la animaban gritando "Pre! Pre! Pre!", y muchos también llevaban camisetas con la inscripción "Go Pre". De esta forma se ganó la atención de los medios de comunicación, llegando a aparecer en la portada de la revista "Sports Illustrated"

Steve Prefontaine en la portada de "Sports Illustrated" (1970)

Eugene está considerada la meca del atletismo en Estados Unidos, especialmente en lo referido a las carreras de fondo. Esta reputación se debe sobre todo a Bill Bowerman, quien fuera entrenador de atletismo de la Univeridad de Oregon entre 1949 y 1973, y por cuyas manos pasaron multitud de atletas olímpicos, incluído Prefontaine.

La mítica Hayward Field de la Universidad de Oregon, es sin duda la pista de atletismo más famosa de Estados Unidos, y ha acogido numerosas veces los trials olímpicos y los campeonatos nacionales. Allí consiguió Prefontaine algunos de sus triunfos más memorables.

En 1971 participó en los Juegos Panamericanos celebrados en Calí (Colombia), logrando la medalla de oro en los 5.000 metros.

El 9 de julio de 1972, durante las pruebas de selección de su país para los Juegos Olímpicos de Munich, celebradas en Eugene, estableció un nuevo récord de Estados Unidos en los 5.000 metros con 13:22.8

Steve Prefontaine ganando en los Trials Olímpicos de Eugene (1972)

Steve Prefontaine (dorsal 1005) en los Juegos de Munich '72

Ya en los Juegos de Munich, se clasificó para la final y estuvo cerca de lograr una medalla. Tras ir en cabeza durante buena parte de la prueba, se tuvo que conformar con la cuarta posición, por detrás del finlandés Lasse Virén, el tunecino Mohammed Gammoudi y el británico Ian Stewart, que le arrebató la medalla de bronce en los últimos quince metros.

Ganó 120 de las 153 carreras que disputó en su vida (un 78 por 100)

Estas son sus marcas personales:

      1.500 metros - 3:38.1 (Helsinki, 28 Junio 1973)
      1 milla - 3:54.6 (Eugene, 20 Junio 1973)
      2.000 metros - 5:01.4 (Coos Bay, 9 Mayo 1975)
      3.000 metros - 7:42.6 (Milán, 2 Jul 1974)
      5.000 metros - 13:21.87 (Helsinki, 26 Jun 1974)
      10.000 metros - 27:43.6 (Eugene, 27 Abr 1974)

Junto a Frank Shorter y Bill Rodgers, se le considera el responsable del gran auge de las carreras de fondo en Estados Unidos durante la década de los setenta. Aun hoy en día, Steve Prefontaine sigue siendo un icono, un ídolo y una fuente de inspiración para muchos corredores.

Fue el primer atleta de clase mundial en utilizar zapatillas "Nike"

Billy Crudup haciendo de Steve Prefontaine en "Sin límites" (1998)

Su vida ha sido argumento para dos películas: Prefontaine (1997) y Sin Límites (1998), protagonizadas por Jared Leto y Billy Crudup respectivamente.

Desde 1975 se celebra cada año en Eugene una prueba atlética llamada Prefontaine Classic, donde se dan cita algunos de los mejores atletas del mundo.

En el Parque Alton Baker de Eugene, hay una senda de unos 6 kilómetros llamada Pre's Trail, que es utilizada por muchos aficionados al atletismo.

Ritchie Valens, intérprete de La Bamba

Richard Steven Valenzuela (1941-1958)
Edad - 17 años
País - Estados Unidos



¿Quién fue?

Un cantante y guitarrista estadounidense de origen mexicano, que fue pionero del rock & roll cantado en español. Aunque su carrera musical apenas duró ocho meses, tuvo una amplia repercusión, especialmente con La Bamba, una canción popular mexicana que Valens versionó a ritmo de rock en 1958 y que se convirtió en un gran éxito. También es muy conocida Donna, una balada romántica que le dedicó a su novia.



¿Cuando y de qué murió?

Falleció en un accidente aéreo el 3 de febrero de 1959, en lo que se conoce como El Día que Murió la Música, ya que junto a Ritchie Valens también perdieron la vida Buddy Holly y The Big Bopper.

Los tres músicos formaban parte de la gira "The Winter Dance Party", que debía recorrer 24 ciudades del Medio Oeste de Estados Unidos durante tres semanas. En aquella época eran habituales las giras formadas por varios artistas, y los viajes se hacían normalmente en autobús, lo cual resultaba bastante incómodo, ya que las distancias eran muy largas y se llegaba con el tiempo justo para actuar en cada ciudad.

Por esta razón, tras actuar en Clear Lake (Iowa), Buddy Holly tuvo la idea de alquilar una avioneta para llegar al siguiente destino, Moorhead (Minnesota), a unos 450 kms de distancia. De este modo llegarían con tiempo de alojarse en un hotel y descansar cómodamente.

Cartel de la gira "The Winter Dance Party"

La avioneta siniestrada en Clear Lake (Iowa)

La avioneta era un Beechcraft Bonanza, en la que además del piloto podían ir tres pasajeros. En un principio, Holly iba a ir con dos miembros de su banda, Tommy Allsup y Waylon Jennings. Sin embargo, Ritchie Valens le pidió a Allsup que le cediera su sitio. Al final, decidieron jugárselo a suertes, y Valens ganó. Por su parte The Big Bopper estaba con gripe y le pidió su plaza a Waylon Jennings, que estuvo de acuerdo.

Despegaron del aeropuerto de Mason City sobre la una de la madrugada, en medio de una tormenta de nieve que reducía sensiblemente la visibilidad. El piloto era un jóven de sólo 21 años llamado Roger Peterson, que nunca había volado con esas condiciones climáticas. Cuando apenas llevaban recorrido ocho kilómetros, la avioneta se estrelló en un campo de maíz, muriendo los cuatro ocupantes.

Ritchie Valens fue enterrado en el Cementerio de la Misión de San Fernando, en Mission Hills (California)

En 1971 Don McLean compuso su famosa canción American Pie, en la que hace referencia a El día que murió la música, y desde entonces esta expresión se ha hecho popular para referirse a aquella tragedia en la que murieron tres de los mejores artistas de su generación.





¿Sabías que...?

Su verdadero nombre era Richard Steven Valenzuela y nació el 13 de mayo de 1941 en Pacoima, un barrio del Valle de San Fernando, cerca de Los Angeles.

Desde muy pequeño se interesó por la música, especialmente por la guitarra, una afición que heredó de su padre, gran amante del blues, el flamenco y la música tradicional mexicana. Se cree que su primera guitarra eléctrica se la construyó él mismo. También aprendió a todar la trompeta y la batería.

Cursó estudios de secundaria en la Pacoima Junior High School, y muchas veces acudía con su guitarra y tocaba para sus amigos, demostrando ya una increíble destreza y un carisma arrollador.

Cuando tenía 16 años se unió como guitarrista a una banda local llamada "The Silhouettes". Poco después, el vocalista principal dejó el grupo, y Valenzuela le sustituyó. El 19 de octubre de 1957 hizo su debut con el grupo. Además de las presentaciones con "The Silhouettes", actuaba por su cuenta en fiestas y otros eventos sociales.

Su energía sobre el escenario y su peculiar estilo rápidamente llamaron la atención de la industria discográfica. Bob Keane, propietario de una pequeña compañía llamada Del-Fi Records, acudió un día para verle actuar en una vieja sala de cine, y quedó tan impresionado que lo invitó a su casa de Silver Lake, donde tenía un pequeño estudio de grabación en el sótano. Era mayo de 1958.

Ese día grabaron varios temas, con Richards cantando y tocando la guitarra. Más adelante estos temas serían regrabados en los estudios Gold Star de Hollywood, mejorando el sonido y agregando otros instrumentos. Algunas de esas demos se pueden escuchar en el disco "Ritchie Valens, the Lost Tapes" (1995). A aquel día pertenecen en especial dos canciones: "Donna" y el instrumental "Ritchie's Blues"

Fue Bob Keane quien sugirió que cambiara el nombre Richard por Ritchie, y el apellido Valenzuela por Valens, con el fin de lograr mayor aceptación entre el público de habla inglesa.

Tras varias semanas haciendo pruebas, escribiendo letras y arreglando canciones, Bob Keane decidió que Richard estaba listo para grabar su primer disco en estudio, acompañado por una banda de músicos profesionales entre los que estarían Rene Hall y Earl Palmer.

Ese primer disco se grabó en julio de 1958, y era un "doble sencillo" con el tema "Come On, Let's Go" en la cara A y "Framed" en la cara B. Gracias a este trabajo se dio a conocer y llegó al puesto 42º de las listas Billboard.

The Big Bopper, Ritchie Valens y Buddy Holly

El siguiente disco ya sería tristemente el último de su vida: el "doble sencillo" con Donna y La Bamba, sin duda sus dos canciones más importantes y por las que pasaría a la historia de la música. "Donna" es una balada romántica compuesta por el propio Valens y dedicada a su novia de entonces, Donna Ludwig, Pero fue sobre todo el tema de la cara B, "La Bamba", el que causaría furor entre los jóvenes de la época.

"La Bamba" es una canción tradicional mexicana, de la región de Veracruz y que se remonta probablemente al siglo XVII. Ritchie Valens la versionó a ritmo de rock & roll. Su productor Bob Keane pensaba que aquella canción, cantada en español, no sería bien aceptada por el público norteamericano y hundiría la carrera de su jóven estrella. Sin embargo, para sorpresa de todos obtuvo en éxito fulgurante y alcanzó en poco tiempo los primeros puestos de las listas. "La Bamba" aparece citada con frecuencia entre las mejores canciones de la historia del rock & roll, y ha sido versionada por multitud de artistas.

«Para bailar la Bamba
Para bailar la Bamba
Se necesita una poca de gracia
Una poca de gracia y otra cosita
Y arriba y arriba, Y arriba y arriba
Por ti seré, por ti seré, por ti seré
Yo no soy marinero. Yo no soy marinero.
Soy capitán. Soy capitán. Soy capitán.
Bamba, bamba
Bamba, bamba
Bamba, bamba»

El 6 de octubre de 1958 Ritchie Valens apareció por primera vez en el famoso programa de televisión ‘American Bandstand’, presentado por Dick Clark y donde cantó "Come On, Let's Go". En diciembre de ese mismo año volvió al programa para cantar "Donna"

A finales de año actuó en el Teatro Loews State de Manhattan, en un evento llamado "Christmas Jubilee of Stars" y organizado por el disc-jockey Alan Freed. Allí coincidió con artistas como Chuck Berry o Eddie Cochran.

Sólo un mes después de su muerte la compañía Del-Fi Records sacó un disco con doce canciones titulado Ritchie Valens, y que ha sido reeditado en múltiples ocasiones. Ese mismo año sacaron otro disco titulado Ritchie, que incluye temas menos conocidos.

Ritchie Valens fue un pionero del luego llamado Rock Chicano, influenciando a músicos como Carlos Santana, Chris Montez, Trini Lopez, Los Lobos, Los Lonely Boys, Malo, Selena, Caifanes, Café Tacuba, El Gran Silencio, etc

En 1987 se estrenó una película sobre su vida titulada La Bamba, con Lou Diamond Phillips de protagonista. Las canciones de Valens fueron interpretadas por el grupo chicano Los Lobos, y curiosamente la banda sonora tuvo más éxito que la propia película, llegando a vender dos millones de discos y alcazando el primer puesto de las listas en numerosos países, incluyendo Estados Unidos. (YOUTUBE)

Lápida de Ritchie Valens

Monumento erigido en el lugar del accidente

En 1988 se erigió un monumento en el lugar del accidente por iniciativa de Ken Paquette, un fan de la música de los cincuenta. Se trata de una escultura de acero que representa una guitarra eléctrica, donde están inscritos los nombres de los tres músicos fallecidos, así como tres discos que representan los mayores éxitos de cada uno.

En 1990 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

En 2001 fue incluído en el Salón de la Fama del Rock & Roll de Cleveland.

Jayne Mansfield, actriz y sex symbol

Vera Jayne Mansfield (1933-1967)
Edad - 34 años
País - Estados Unidos



¿Quién fue?

Una actriz de Hollywood que se hizo famosa en los años cincuenta con papeles de rubia explosiva en películas como Una rubia en la cumbre (1956), Bésalas por mí (1957) o Una mujer de cuidado (1957). Destacaba por su físico exhuberante y el pelo rubio platino, siendo comparada a menudo con Marilyn Monroe, aunque nunca llegó al nivel de popularidad de esta. Su carrera decayó con rapidez en los años sesenta.



¿Cuando y de qué murió?

Falleció el 29 de junio de 1967 en un accidente de trafico, al estrellarse el automóvil en el que viajaba con la parte trasera de un camión que se hallaba estacionado, en la autopista 90 entre Biloxi y Nueva Orleans.

Jayne Mansfield tenía 34 años y viajaba acompañada por su novio Sam Brody, por el chófer de ambos Ronnie Harrison, y por los tres hijos de su matrimonio con Mickey Hargitay. Brody y el chófer también murieron en el acto, mientras que los tres niños salieron prácticamente ilesos.

Existe una leyenda bastante difundida según la cual Jayne Mansfield murió decapitada en el accidente, pero es un rumor sin fundamento. Ella murió por el brutal golpe recibido.

El funeral se celebró el 3 de julio en Pen Argyl (Pennsylvania) y fue enterrada en el Cementerio Fairview de esta localidad. En su lápida puede leerse: "We Live to Love You More Each Day" ("Vivimos para amarte cada día más")





¿Sabías que...?

Se llamaba en realidad Vera Jayne Palmer y nació el 19 de abril de 1933 en Bryn Mawr (Pennsylvania), aunque pasó su primera infancia en Phillipsburg (New Jersey). Cuando tenía sólo tres años, su padre falleció de un ataque al corazón. En 1939 su madre se volvió a casar, trasladándose a vivir a Dallas (Texas)

Desde muy joven comenzó a interesarse por la interpretación. Con sólo 16 años se casó con Paul Mansfield, de quien tomaría el apellido, y a los pocos meses nació su primera hija, Jayne Marie. A pesar de ser madre, no abandonó su deseo de ser actriz, y acudió a la Universidad para estudiar arte dramático. Allí también ganó varios concursos de belleza.

Jayne Mansfield con su hija Jayne Marie (1955)

En 1954, con 21 años, se marchó a Los Angeles con su marido y su hija, buscando realizar su sueño. Los comienzos fueron duros, teniendo que realizar los más diversos oficios para sobrevivir, y compaginándolo con sus clases de intepretación en la Universidad de UCLA.

En febrero de 1955 fue elegida Playmate de la revista Playboy. A lo largo de los años, apareció numerosas veces en esta revista.

En 1955 consiguió el papel de Rita Marlowe en la obra de Broadway Will Success Spoil Rock Hunter?, comedia faústica ambientada en el mundo de la publicidad y que satirizaba la cultura americana del éxito. Gracias a su interpretación, logró muy buenas críticas y atrajo la atención de los medios. El "New York Times" la describió como "una sirena rubia-platino de película con los contornos onduleantes de Marilyn Monroe". Las comparaciones con Marilyn la acompañarían durante bastante tiempo.

Jayne Mansfield y Dan Duryea en The Burglar (1956)

Cartel de Una rubia en la cumbre (1956)

Tras firmar un contrato con la Warner, debutó en el cine con pequeños papeles en títulos como Female Jungle (1955) o Pete Kelly's Blues (1955). Su primer papel importante fue en The Burglar (1956), film de género negro donde compartía protagonismo con Dan Duryea.

Obtuvo un gran éxito con la ingeniosa comedia musical Una rubia en la cumbre (The Girl Can't Help It, 1956) de Frank Tashlin, ambientada en el mundo del rock & roll y donde aparecían personajes míticos de la época como Gene Vincent, Little Richard o Fats Domino.

En 1957 volvió a trabajar con Tashlin en otro de sus mejores films, precisamente la adptación de la obra Will Success Spoil Rock Hunter?, que ella había representado en Broadway dos años antes. En España se tituló "Una mujer de cuidado"

Jayne Mansfield en Una mujer de cuidado (1957)

Jayne Mansfield y Cary Grant en Bésalas por mí (1957)

De ese año son también otras dos películas: Bésalas por mí (Kiss Them for Me, 1957), una comedia de Stanley Donen con Cary Grant de protagonista; y The Wayward Bus, basada en una novela de John Steinbeck y donde hizo uno de sus pocos papeles dramáticos, compartiendo cartel con Joan Collins.

La carrera de Mansfield parecía realmente muy prometedora, e incluso recibió un Globo de Oro a la mejor actriz revelación del año, compartido con Carroll Baker y Natalie Wood.

Jayne Mansfield y Mickey Hargitay

Tras divorciarse de Paul Mansfield, se casó en 1958 con el culturista y actor ocasional húngaro Mickey Hargitay, que había obtenido el título de Mister Universo en 1955 y a quien conoció durante el rodaje de "Una mujer de cuidado"

Hargitay y Mansfield fueron padres de tres hijos (dos niños y una niña) antes de divorciarse en 1963. Su hija Mariska Hargitay es una actriz, famosa sobre todo por su papel de detective en la serie televisiva Ley y Orden: Unidad de Víctimas Especiales.

Jayne Mansfield en La rubia y el sheriff (1959)

Jayne Mansfield en Too hot to handle (1960)

Pese a sus prometedores inicios, al finalizar la década de los cincuenta la carrera de Jayne Mansfield en el cine entró en punto muerto, y los intentos de presentarla como rival de Marilyn Monroe decididamente pasaron a mejor vida. En adelante tuvo que conformarse con películas mediocres, la mayoría rodadas en Europa y en las que básicamente se buscaba explotar sus atributos físicos.

De esta época pueden citarse La rubia y el sheriff (The Sheriff of Fractured Jaw, 1959), un western en clave de comedia para su lucimiento dirigido por Raoul Walsh; Too hot to handle (1960), thriller británico dirigido por Terence Young y donde relizaba algunos números de cabaret bastante sugestivos; Las Aventuras de Hercules (1960), fantasía mitológica rodada en Italia junto a Mickey Hargitay; o Sucedió en Atenas (It Happened in Athens, 1962), comedia romántica ambientada en los primeros Juegos Olímpicos.

Jayne Mansfield en Promises! Promises! (1963)

Mención aparte merece Promises! Promises! (1963) que fue promocionada como la primera película de Hollywood en la que una estrella "mainstream" aparecía completamente desnuda.

La película causó un notable escándalo, siendo prohibida en ciudades como Cleveland, mientras en otros lugares se obligó a cortar algunas escenas. La revista "Playboy" publicitó el film en su número de junio de 1963 con varias fotos de Mansfield desnuda, lo que motivó que su editor Hugh Hefner fuera arrestado y juzgado por obscenidad, aunque finalmente un jurado le absolvió.

Aunque su carrera en el cine fue declinando, Jayne Mansfield siguió siendo una figura relativamente popular en su condición de sex symbol tanto en Estados Unidos como en Europa, apareciendo en todo tipo de medios de comunicación: televisión, publicidad, revistas, etc. También realizó varias giras por los night-clubs de toda Norteamérica y era una presencia habitual en las fiestas de la farándula.

Jayne Mansfield y Sophia Loren en una fiesta (1957)

Cantaba con relativa frecuencia en sus películas, e incluso llegó a grabar varios discos. Como curiosidad, en uno de ellos tocaba el bajo y la guitarra un casi desconocido Jimi Hendrix.

Su tercer y último marido fue el director italiano Matt Cimber (pseudónimo de Thomas Vitale Ottaviano) con quien se casó en 1964 y con el que tuvo un hijo llamado Antonio Raphael. El matrimonio apenas duró un año.

Precisamente su última película, titulada Single Room Furnished (1968)y estrenada póstumamente, fue dirigida por él, pasando sin pena ni gloria.

Se le atribuyeron numerosos romances con hombres importantes, incluyendo a John F. Kennedy y su hermano Robert, así como con el restaurador francés Claude Terrail, el millonario brasileño Jorge Guinle o el fundador de la Iglesia de Satán Anton LaVey.

Su primera hija Jayne Marie Mansfield, posó para "Playboy" en julio de 1976, convirtiéndose en la primera (y hasta hoy única) hija de una Playmate en posar para la revista.

En 1980 hicieron un telefilm sobre su vida titulado The Jayne Mansfield Story, con Loni Anderson en el papel de Jayne y Arnold Schwarzenegger como Mickey Hargitay

Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood

Fabio Casartelli, campeón olímpico en Barcelona '92

Fabio Casartelli (1970-1995)
Edad - 24 años
País - Italia



¿Quién fue?

Un ciclista italiano que se proclamó campeón olímpico de fondo en carretera en los Juegos de Barcelona '92, y que al año siguiente dio el salto a la categoría profesional, militando en los equipos Ariostea, ZG-Mobili Bottecchia y Motorola.



¿Cuando y de qué murió?

El 18 de julio de 1995 sufrió una caída mientras descendía el Col d'Aspet, en los Pirineos, durante la disputa de la 15ª etapa del Tour de Francia, entre Saint-Girons y Cauterets.

Casartelli sufrió graves lesiones en la cabeza al golpearse contra el asfalto, quedando tendido inconsciente en la carretera. Rápidamente fue trasladado en helicóptero al hospital de Tarbes, pero la gravedad de las heridas era extrema, llegando prácticamente muerto.

A las 14:40 hs "Radio Tour" anunció oficialmente el fallecimiento, que se había producido una hora antes. "Tengo que dar una noticia grave, terrible", anunció el director de la carrera, Jean Marie Leblanc: "El corredor italiano Fabio Casartelli, dorsal 114, víctima de una caída en el kilómetro 34 en el descenso del Col d'Aspet y que había sido evacuado al hospital de Tarbes, ha muerto".

Fabio Casartelli tendido en la carretera tras su caída

En el momento de la caída, Casartelli no llevaba ningún tipo de casco protector. Su muerte causó una gran conmoción en el mundo del ciclismo, y surgieron diversos debates acerca de la obligatoriedad del casco por los ciclistas.

La etapa del día siguiente, entre Tarbes y Pau, fue neutralizada, aunque no suspendida. Los ciclistas rodaron en grupo durante todo el recorrido, y poco antes de la llegada, los integrantes del equipo Motorola se adelantaron y cruzaron la línea de meta juntos, a modo de homenaje hacia su compañero.

Todos los premios de la etapa fueron donados a su esposa Anna Lisa y su hijo recién nacido.

Fabio Casartelli proclamándose campeón olímpico Barcelona '92

¿Sabías que...?

Nació el 16 de agosto de 1970 en Como (Lombardía, en el norte de Italia)

A principios de los noventa , logrando un gran numero de victorias como amateur.

En 1990 consiguió la victoria en el Trofeo Sironi. En 1991 y 1992 continuó logrando triunfos en el campo amateur, convirtiéndose en una de las grandes promesas del ciclismo italiano. Por esta razón fue uno de los tres seleccionados para representar a su país en la prueba de ruta de los Juegos de Barcelona '92, junto a Mirco Gualdi y Davide Rebellin.

En Barcelona '92 logró su mayor éxito al proclamarse campeón olímpico de fondo en carretera. La prueba se celebró el 2 de agosto, en un circuito de 16 kms por los alrededores de Sant Sadurní d'Anoia al que había que dar 12 vueltas, para completar un total de 194 kms. Participaron un total de 154 ciclistas, de los cuales sólo 84 lograron terminar.

Fabio Casartelli en los Juegos de Barcelona '92

El intenso calor hizo que las primeras vueltas transcurrieran con relativa tranquilidad. Pero en la novena vuelta, se formó un grupo de nueve corredores en la que habría de ser la escapada definitiva.

Ya en la última vuelta, quedaron en cabeza únicamente tres corredores, que habrían de disputarse las medallas: el holandés Erik Dekker, el letón Dainis Ozols y el italiano Fabio Casartelli. Este último se mostró muy superior en los últimos metros, ganando cómodamente el sprint, con un tiempo total de 4 horas, 35 miuntos y 21 segundos. La plata fue para Dekker y el bronce para Ozols, mientras que a medio minuto llegaba el pelotón encabezado por el alemán Eric Zabel.

Casartelli era el quinto ciclista italiano en ganar el oro olímpico en la prueba de ruta. Los otros fueron Attilio Pavesi en Los Angeles '32, Ercole Baldini en Melbourne '56, Mario Zanin en Tokio '64 y Pierfranco Vianelli en México '68

En 1993 dio el salto a profesional, fichando por el equipo Ariostea. Ese año ganó una etapa en la Settimana Bergamasca y participó en el Giro de Italia, su primera gran ronda por etapas, terminando en el puesto 107º

En 1994 fichó por el equipo ZG-Mobili Bottecchia, donde una tendinitis le impidió rendir a su mejor nivel. Ese año participó por primera vez en el Tour de Francia, aunque abandonó en la 7ª etapa.

Fabio Casartelli en el Tour de 1995

En su tercer año como profesional volvió a cambiar de equipo, fichando por el Motorola estadounidense, donde estaba su amigo Andrea Peron y cuyo jefe de filas era un jóven Lance Armstrong. A principios de la temporada, fue 6º en la Clásica Costa de Almería y rindió a buen nivel en la Vuelta a Suiza.

Ese año participó de nuevo en el Tour de Francia, en un equipo en el que además de Lance Armstrong y Andrea Peron destacaban corredores como el colombiano Alvaro Mejía o el norteamericano Frankie Andreu.

La etapa en la que falleció Casartelli fue ganada por el francés Richard Virenque, mientras que el español Miguel Indurain mantuvo el maillot amarillo de líder, que conservaría hasta París, en lo que sería su quinto Tour de Francia consecutivo, algo que nadie había logrado antes en la historia.

Fabio Casartelli era el tercer ciclista que moría en la historia del Tour de Francia. El primero fue el español Francisco Cepeda en 1935, tras una caída descendiendo el Col del Galibier. El segundo fue el británico Tom Simpson, que murió durante el ascenso a Mont Ventoux en 1967, debido a una insuficiencia cardíaca provocada por el abuso de drogas.

En 1997 se inaguró un memorial de piedra en el Col d'Aspet para recordar a Fabio Casartelli.

Memorial en recuerdo de Fabio Casartelli en el Col d'Aspet

Brandon De Wilde, el niño de "Raíces Profundas"

Andre Brandon De Wilde (1942-1972)
Edad - 30 años
País - Estados Unidos



¿Quién fue?

Una actor estadounidense, famoso sobre todo por ser el niño protagonista del western Raíces Profundas (1953), película por la que estuvo nominado al Oscar al mejor actor secundario con solo once años.

A lo largo de su carrera participó en otras películas, como Su propio infierno (1962), Hud (1963) o Primera victoria (1965), además de hacer diversos trabajos en teatro y televisión.



¿Cuando y de qué murió?

En la tarde del 6 de julio de 1972 sufrió un accidente de motocicleta en Lakewood, un suburbio de Denver (Colorado), cuando acudía al rodaje de Las mariposas son libres, basada en la obra teatral homónima de Leonard Gershe. A fin de evitar a otro vehículo, giro bruscamente y chocó contra un trailer aparcado a un lado de la carretera.

De Wilde fue trasladado al Hospital de Denver, donde falleció cuatro horas más tarde. Fue enterrado en Hollywood, aunque posteriormente sus padres trasladaron sus restos al Pinelawn Memorial Park de Farmingdale (Nueva York), más cerca de la casa que poseían en Long Island.

Fue reemplazado en "Las mariposas son libres" por el desconocido Edward Albert, que ganó un Globo de Oro como actor más prometedor del año.

Brandon De Wilde en la obra teatral The Member of the Wedding (Nueva York, 1950)

¿Sabías que...?

Nació el 9 de abril de 1942 en Brooklyn (Nueva York). Poco después su familia se trasladó a Baldwin, en el Condado de Nassau.

Su familia se dedicaba al teatro. Su padre Frederic De Wilde, era un productor de Broadway, y su madre Eugenia De Wilde trabajó como actriz.

Debutó en Broadway en 1950, con sólo siete años, con la obra The Member of the Wedding, que adaptaba la novela del mismo título de la escritora sureña Carson McCullers (en España titulada Frankie y la boda). Brandon De Wilde lo hizo tan bien que se convirtió en el primer actor infantil en recibir el Premio Donaldson al mejor debutante.

Su primera película fue precisamente la adaptación de este éxito teatral, dirigida por Fred Zinnemann en 1952, y donde repitieron los principales intérpretes de la versión teatral: Julie Harris, Ethel Waters y el propio De Wilde. Como detalle curioso decir que Julie Harris tenía 27 años en la vida real, cuando en el film se hacía pasar por una niña de 12

Alan Ladd y Brandon De Wilde en Raíces Profundas (1953)

Poco después participó en la que sería su película más recordada, Raíces Profundas, dirigida por George Stevens en 1953 y que está considerado uno de los mejores westerns de la historia del cine. De Wilde interpreta a Joey, un niño que vive con sus padres en una granja, y cuyas vidas se ven trastornadas por la llegada de un pistolero errante llamado Shane (Alan Ladd).

El tema de la película es la clásica lucha entre terratenientes ganaderos y pequeños granjeros, pero lo más importante es la compleja red de sentimientos que se crea entre los personajes, todos dotados de una gran profundidad psicológica. Shane y la madre de Joey viven una historia de amor enteramente platónica, mientras que el pequeño Joey siente auténtica fascinación por el pistolero. "Raíces Profundas" es sin duda un clásico del cine.

Por su conmovedora interpretación, Brandon De Wilde fue nominado al Oscar al mejor actor secundario, aunque el premio se lo llevaría Frank Sinatra por "De aquí a la eternidad". A sus 11 años era el actor más jóven en ser nominado desde Jackie Cooper en 1930.

Entre 1953 y 1954 protagonizó la serie televisiva "Jamie", bastante popular en su tiempo, aunque fue cancelada tras 22 episodios por disputas con el contrato. A lo largo de los años intervino en numerosas series, como por ejemplo "Climax!", "El Virginiano", "Los defensores", "Combat!" o "Hawai Cinco-0"

Walter Brennan, Brandon De Wilde y Phil Harris en Good-bye, My Lady (1956)

Brandon De Wilde y Carol Lynley en Blue Denim (1959)

En 1956 rodó Good-bye, My Lady, adaptación de un libro de James Howell Street, junto a Walter Brennan, Phil Harris y un jóven Sidney Poitier. El film fue dirigido con gran sensibilidad por el mítico William A. Wellman, y cuenta la relación entre un niño y su perra.

Al acabar el rodaje, De Wilde adoptó a la perra principal usada en el rodaje, una basenji llamada "My Lady of the Congo", que había sido proporcionada por la investigadora Verónica Tudor-Williams.

En 1956 hizo de narrador en sendas grabaciones de las obras didáctico-musicales "Pedro y el lobo", de Sergei Prokofiev y "Guía de Orquesta para Jóvenes", de Benjamin Britten.

Regresó al género western con La última bala (1957), compartiendo aventuras con James Stewart y Audie Murphy. Al año siguiente protagonizó El viajero de Missouri (1958), dando vida a un chico huérfano que intenta sobrevivir en el duro ambiente del Sur de Estados Unidos a principios del siglo XX.

Cambiando completamente el registro, dejó su impronta adolescente en el drama de 1959 Blue Denim, junto a la bella Carol Lynley. El film adaptaba un reciente y polémico éxito de Broadway, escrito por James Leo Herlihy y que abordaba el espinoso tema de la sexualidad entre adolescentes y el aborto, si bien la censura obligó a hacer cambios importantes en el guión.

Karl Malden, Angela Lansbury y Brandon De Wilde en Su propio infierno (1962)

Brandon De Wilde en Hud (1963)

Una de sus mejores películas fue el melodrama de John Frankenheimer Su propio infierno (1962), donde Warren Beatty intepreta a un joven alocado y seductor que vive una historia de amor con una mujer mayor que él (Eva Marie Saint). De Wilde es el hermano pequeño de la chica, que establece una curiosa relación con el novio de su hermana.

Otro de sus mejores trabajos fue Hud (1963), un neo-western rodado en blanco y negro y dirigido por Martin Ritt. La película recibió tres oscars: mejor actriz para Patricia Neal, mejor actor secundario para Melvyn Douglas y mejor fotografía. Curiosamente De Wilde fue el único actor del reparto principal que no fue nominado al Oscar. Sin embargo, en la ceremonia de entrega salió para recoger el premio otorgado a Melvyn Douglas, que no se encontraba presente.

A los 22 años fue el hijo de John Wayne en Primera victoria (1965), drama ambientado en la Segunda Guerra Mundial, tras el ataque japonés a Pearl Harbor.

De ese mismo año es La familia Calloways (1965), una producción Disney basada en una novela Paul Annixter, con un magnífico reparto y mensaje ecologista de fondo. Cuenta la vida de una familia rural de Nueva Inglaterra, con De Wilde enamorado de una jovecita Linda Evans, la futura Krystle de "Dinastía"

Brandon De Wilde en la ceremonia de los Oscar de 1963. A su lado
está Patty Duke, ganadora por "El milagro de Anna Sullivan"

Brian Keith, Brandon De Wilde, Linda Evans y Vera Miles en La familia Calloways (1965)

Apareció como extra en The Trip (1967), film de culto dirigido por Roger Corman que intentaba sumergir al expectador en la experiencia visual del consumo de LSD.

Su última aparición en el cine fue en Wild In The Sky (1972), una disparatada comedia de acción.

Se casó dos veces. La primera en 1963 con Susan Maw, de la que se divorció en 1969. Y la segunda con Janice Gero en 1972, justo el año de su muerte, y con la que tuvo a su único hijo, Jesse.

Era muy aficionado a la música y uno de sus mejores amigos fue Gram Parsons, integrante de "The Byrds" entre otros grupos. La canción In My Hour of Darkness, compuesta por Gram Parsons y Emmylou Harris, habla del accidente que costó la vida a Brandon De Wilde:

“Once I knew a young man
Went driving through the night,
Miles and miles without a word
But just his high-beam lights.
Who'd have ever thought they'd build
Such a deadly Denver bend;
To be so strong, to take so long
As it would till the end”